viernes, 23 de febrero de 2018

Cartagena Piensa con Mucho Más Mayo


El lema de la edición de este año del festival Mucho Más Mayo es  "Interdependientes, ecodependientes"

Nuestra auténtica contribución al colectivo humano, se produce cuando reconocemos nuestra condición de individuos únicos e irrepetibles, inseparables y completamente dependientes del medio natural así como de los de seres humanos con quienes compartimos este misterioso viaje. ¿Podemos comprender esto?

Es el reconocimiento de la interdependencia de todo lo que existe en el universo lo que implica a cada ser humano en una evolución consciente como totalidad individual; como organismo vivo dentro de una totalidad mayor (familia, empresa, tribu... humanidad)

lunes, 5 de febrero de 2018

Taller de arquitectura con niños

La imagen fue tomada durante el taller de arquitectura: La Ciudad de los Niños. Con ellos celebramos el primer encuentro del ciclo invernal en la biblioteca del Barrio Peral. En la mayor parte de sus representaciones y sus mensajes estuvo presente la ciudad lúdica: más cercana a la naturaleza, a la experiencia de los sabores, los olores y el contacto íntimo con el otro a través del juego y la creación de espacios improvisados.


Soñando la ciudad entre todos

¿Todavía nos seguimos olvidando de los más pequeños a la hora imaginar el presente y futuro de nuestra ciudad?    
Con ellos brota la energía más sensible y respetuosa hacia la naturaleza. Aún no se han alejado de su esencia y su fuerza vital responde a lo que ocurre momento a momento porque vibran en su alegría interior. Nunca podremos tocar la vida sin escucharlos, sin dejarnos sorprender por ellos... sin sumergirnos en su mundo que, en lo más profundo, es también nuestro propio mundo.     

Gracias a apoyo del colectivo Cartagena Piensa y de la Red de Bibliotecas Municipales de Cartagena, el pasado miércoles comenzamos el ciclo de talleres de arquitectura: La ciudad de los niños. En colaboración con la Hayat's Chocolate Factory hemos diseñado una serie de talleres donde lo prioritario es escuchar a los niños y reflexionar con ellos sobre una ciudad más sensible y respetuosa con su necesidad de juego libre y auto expresión. Tras un periodo de investigación, nos hemos dado cuenta de que hay mucho trayecto recorrido; esta búsqueda de “las ciudades de los niños” se ha convertido en un movimiento internacional gracias al pedagogo italiano Francesco Tonucchi. Nosotros -La Factory y Arquitectura Humana- llevamos tiempo queriendo dar este paso de acompañar a los más pequeños y activar una nueva mirada que estimule sus cualidades de observación y reflexión, despertando en ellos la conciencia del entorno y su importancia en el desarrollo de la vida. En Mayo ofreceremos los resultados de este ciclo donde niñas y niños serán los protagonistas y abriremos las puertas a los adultos para hablar de 'La Ciudad de los Niños’. 
¡Os esperamos!  


Gracias a TeleCartagena por hacer eco de la noticia:

martes, 30 de enero de 2018

Maestros: Alvar Aalto




"De cualquier modo el arquitecto tiene una tarea obvia: estamos aquí para humanizar la naturaleza mecánica de los mteriales"

A. Aaalto

LA CIUDAD HABITADA. Comunicación y sociedad en la obra de Juan Antonio Molina Serrano


1. Centro de Artesanía de Lorca ,1988. Juan Antonio Molina Serrano


Ha escrito recientemente el arquitecto y crítico finés Juhani Pallasmaa que la arquitectura constituye el escenario más importante de “celebración” social de una comunidad. Si bien es cierto que la visión social ha venido debilitándose desde las dos lecturas más importantes promocionales de la arquitectura contemporánea; la del mercado inmobiliario y la del Star System, también lo es, que se han dado y se dan casos, en donde el ejercicio profesional busca, antes que nada, convertirse en el escenario de lo social, fortaleciendo el enraizamiento, la comunicación y vida de los ciudadanos. La obra y trabajo del arquitecto murciano -español- Juan Antonio Molina Serrano explica esta vertiente, que entiende la disciplina como un motor en donde la “bienestancia”[1] y el cuidado de la “urbanidad” -Zevi- son los instrumentos vertebradores del diseño de la ciudad.  Nuestra reflexión pretendería, entonces, indagar en las fuentes teóricas y proyectuales de este arquitecto, entendiéndolas como testimonios concretos que nos ayudan a conocer y proyectar una ciudad más afable y cercana para los individuos que la habitan. Para ello, explicaremos uno de sus proyectos más notables: el Centro de Artesanía de Lorca, realizado entre 1986 y 1988, síntesis de su ejercicio profesional, y que expone recorridos vertebrales de todo su trabajo: “celebración” y exaltación del trabajo artesano, vocación por dotar de contenedores arquitectónicos capaces de aglutinar lo social, y rechazo a la singularidad o aislamiento -soledad- de los “objetos” como una línea proyectual más comúnmente elegida dentro de nuestra cultura arquitectónica contemporánea. Desde la lectura atenta de su trabajo, también se vuelve a abrir el eterno debate sobre cuáles son los argumentos que enmarcan la disciplina arquitectónica, y de cómo éstos deberían responder a la ciudad heredada y ofrecida a lo largo de la historia -preexistencias, forma urbana, cultura, identidad y sociedad-. De la misma manera, y como tendremos oportunidad de comprobar, veremos cómo se ofrece en su obra una muy peculiar condición de entretejer lo social y la comunicación ciudadana, a través de una compleja y variada construcción de recorridos, promenades, materialidades -hapticidad y potenciación del tacto-, escenografías y “formas ilusorias”.

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Topofilia: construir un lugar
Con el Centro de Artesanía de Lorca realizado en 1988, Molina explora todas las grandes invariables que articulan su obra: atención directa al lugar, construcción de recorridos o promenades que potencian lo social, valoración material y expresiva de la estructura y los materiales, y lectura sensible por la historia y la memoria heredada (Figura 1,2 y 3). El proyecto emerge en un territorio donde se dan fuertes preexistencias ambientales y construidas: la propia configuración urbana adquirida, el Palacio de Guevara y la Iglesia de San Mateo -siglo XVIII- muy próximos, a los que se suma, la necesidad de “recuperar” la alineación impuesta por la antigua fachada del edificio de Caballerizas[2]. El caso es que Molina va a recurrir, y como ya hiciera en una obra inicial en su carrera como el Transformador para el ceramista Pedro Borja en 1972, a enterrar el edificio. Otra gran caja de hormigón -doce metros de ancho por cuarenta de largo- que sobresale levemente y que sostiene el programa principal bajo tierra. La estrategia del reencuentro con el suelo[3] se inicia desde una cota de altura inferior al nivel del firme. Se renuncia, de esta manera, a la posibilidad de generar un gran volumen en altura que pudiera encontrase al mismo nivel y escala de los dos edificios históricos que lo circundan (Figura 4, 5 y 6). Dos razones contribuyen a esta lectura: el edificio actúa principalmente atendiendo a las preexistencias, evita erigirse como un objeto singular[4] que se sobrepone a las razones del lugar; por lo tanto, no se construye un volumen aislado; se crea un entorno[5]. Pero Molina no realiza una réplica, ni tampoco un relectura mimética formal[6]. Su propuesta incurre irremisiblemente en un punto de contraste que refuerza las leyes del lugar[7]. Ese contrapunto ayuda a diferenciar claramente los límites de la intervención y contribuye a una relación adecuada entre los edificios. 

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Sin embargo, la que parece constituir la razón argumental más importante de la propuesta se resume en lo siguiente: el proyecto no es sólo, además, un edificio autónomo, es, antes que nada, una forma y “lugar” urbano de la ciudad; un nuevo espacio para la vida del ciudadano. Se ha concebido como una pieza que forma parte de un complicado engranaje de construcciones o preexistencias que deben ligarse y unirse mediante la intervención[8]. Se entiende, por lo tanto, que no genera un límite sólido entre los márgenes de la forma urbana inmediata, sino que diluye sus fronteras favoreciendo la comunicación entre puntos de la ciudad o barrios. Molina entierra el edificio no sólo porque considera que su impacto será menor en el lugar, porque la construcción de sus promenades se hará más efectiva -según sus intenciones-, porque el lenguaje utilizado y su gramática serán menos evidentes y se harán más amables, sino también porque el edificio pretende actuar como un vector más del contexto: es una plaza, una gran calle, otro recorrido que une sitios y lugares de la urbe diferentes (Figura 7 y 8). Por eso la cubierta revela su importante presencia en el proyecto, no sólo es un trasunto o capricho retiniano, sino que actúa como catalizador de esas circulaciones, de las acciones del habitar[9]. Se trata de otro espacio más de la ciudad y una posibilidad que ayuda a cruzar y conocerla a través de él: un lugar dentro de otro lugar, urdido en el originario y preexistente. El “genius loci” reaparece sensiblemente con un nuevo espacio que ayuda a contemplar, visitar y participar del entorno desde nuevas perspectivas.
Quizás este sea, como venimos apuntando, un aspecto muy reseñable de la intervención: su oposición tajante a depositar un edificio. De ahí que la intención fuera que emergiera, que naciera desde la tierra, que su lugar de despliegue fuera directamente la topografía desde su excavación, y que su expresión exterior terminara reflejando aquella procedencia sutilmente.

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 La cubierta es al final suelo urbano “practicado”[10], segunda tierra del edificio, donde las plantas y los árboles, al crecer, pretendían suavizar su comportamiento ambiental. A su vez, el Centro de Artesanía muestra una vocación muy clara por participar de su ubicación; invita a contemplar los muros y sillerías existentes -edificios cercanos-, contribuyendo a evocar otras arquitecturas, y generando un mirador sobre la ciudad. La cubierta y su tratamiento juegan un papel crucial; no sólo es un lugar de peregrinación y salto entre barrios, sino que aglutina y construye los elementos de ese observatorio; ubica los espacios necesarios para la visita y propiedad sobre el entorno (Figura 9 y 10). Todo ello, sin olvidar que la gran cubierta/jardín desde la que se divisa lo existente, nos remite también al universo pretérito e ilusorio de Le Corbusier con su “quinta fachada”[11].

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 Otra cuestión valorable, a tener en cuenta, es la condición intimista y recogida del conjunto. Tanto en la parcelación, mecanismos de conexión y distribución de la vegetación y jardín[12], como en la elección y ubicación de las luminarias y otros detalles de la cubierta/plaza, se atisba la predisposición del arquitecto – bien apreciada- por los “hortus conclusus” y los “locus amoenus”, tan en clara consonancia con la cultura medieval o renacentista -y relecturas posteriores-; reinterpretada aquí en clave contemporánea, y que se constatará como invariable o constante en otras obras suyas con mayor o menor intensidad.
Se podría afirmar que Molina al final, propone un gran zoco que desde el interior emana hacia fuera trasladando la fiesta y exhibición de los objetos artesanos, subrayando el carácter social -exaltación social- que su arquitectura manifiesta, y que lo une también a todas aquellas resonancias escogidas a la hora de proyectar que acompañan sus largas y meditadas visitas al norte de África. Ahí, escondida pero presente como un susurro vivo y latente, la memoria y la historia de esas arquitecturas milenarias resuenan con fuerza, y se hacen posibles con los nuevos lenguajes en el Centro de Artesanía.

Promenades: elogio al caminar
La construcción de los recorridos o promenades se propaga, en síntesis, a lo largo de toda su trayectoria profesional; desde su inicio hasta el final. Efectivamente en el Centro de Artesanía de Lorca, la promenade nace de la relectura contemporánea de un zoco. Un gran espacio central que organiza el gran mercado de objetos que se van distribuyendo en un recinto circular de rampas. Se trata de dejar caer el recorrido y organizarlo en torno a ese gran vacío central[13]. Una gran figura oblonga de hormigón, entre lo orgánico y neobrutalista[14] (Figura 11 y 4), se describe en su sección, desde el mecanismo de una gran rampa[15] que va desgranando el programa y contenido expositivo; la feria de la artesanía (12 y 13). Y es ahí, precisamente, donde se da y nace la primera declaración de una escenografía: cifrando los modos de abordaje espacial; insinuando su sincretismo. Volviendo, de este modo, a motivar un acercamiento que se mueve en esas rutas escénicas que el arquitecto escoge en sus arquitecturas: descubrir la obra; caminar para conocerla; invitar a los visitantes a caer, a bajar para recorrer esas promenades. Será entonces, en un primer estadio del caminar, cuando el pavimento y su expresivo tratamiento en la entrada, anuncie y marque el primer umbral, el inicio de una sorpresa sugerida y de una realidad paralela.
 Como casi siempre, el juego y la ambigüedad se mostrarán como carta de presentación, a pesar de la claridad expositiva de las narrativas espaciales. Este cuidado desequilibrio podría entenderse, quizás, desde la búsqueda insistente en su obra de un valor denostado o marginado dentro de nuestra cultura contemporánea: la lentitud. Su arquitectura lidia en los límites de esta contienda: retener los tiempos, generar lugares dentro de los alveolos arquitectónicos que provoquen la parada, la inmersión en el tiempo. Acaso como un deseo oculto de recluir e incluir, de invitar a permanecer. Tal vez por ello, la gruta de hormigón, el gran “bunquer”, expuesto desde la continuidad material y espacial, puede enlazar con la metáfora construida de la protección, recuperando aquél universo o imaginario de Bachelard: “la casa protege al soñador, nos permite soñar en paz”[16].
Y es que, efectivamente, el centro se erige en su interior desde una escala casi doméstica, aferrada al calor y cuidado del hogar que se le atribuye. Nuevamente, como sucederá en gran parte de su obra, se diluyen los límites entre lo público y lo privado -casi lo doméstico- aspecto sintomático también que se daba, como vimos, en la cubierta/plaza.

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  En su interior todo está fundamentalmente construido y acabado en hormigón, desde los grandes muros, cubiertas, forjados, detalles constructivos, hasta incluso gran parte del mobiliario sólido y fijo del edificio, imprimiendo un valor secuencial espacial, pero también fortaleciendo la sensación de inmanencia y pertenencia que desde el tratamiento material percibe -siente- el espectador cuando lo visita. Se trata de una gran gruta, un vientre excavado que se adivina progresivamente pero que visualmente parece único.
Los espacios centrales culminan con mallados metálicos -lucernarios cenitales- que sobresalen en la cubierta y que rememoran la obra de Wright. La gran promenade  invita a caminar desde el material del pavimento[17] y la continuidad de los muros perimetrales de hormigón. Se trata de una promenade amable, lenta, inscrita en esas formas de expresión de la arquitectura a las que se refiere Pallasmaa[18].
Un espacio tremendamente evocador, con ciertas reminiscencias de una melancolía escondida pero sugerente de las arquitecturas pretéritas, y manejada con una cuidada introversión espacial que ha trascendido en el exterior con sumo cuidado. El gran volumen de hormigón que sobresale levemente en la superficie, de nuevo, no quiere ofrecer sus secretos[19]. Molina quiere en la cubierta crear ciudad, favorecer la parte más exhibida - aunque con claras concesiones a la privacidad- del proyecto, pero en su interior prevalece una sensación de recogimiento, de quietud. Un paseo que se madura y saborea, que es más táctil que visual, prolongándose en el tiempo como una caída sin fin. Es una obra grave, de peso -tectónica- que promueve un alegato si se quiere arrebatado contra la condición ligera -ingrávida- y transparente de la modernidad. Se trata de un proyecto que abriga el caminar, que lo acoge y que invita a la demora.
Desde que comienza el recorrido, se originan esos lugares que quedan entre los patios de luz del vestíbulo y que se prolongan hasta los rincones de vegetación que se distribuyen en la cubierta. Lugares de paso y caída, de reposo y espera. Motivados porque deliberadamente se defiende el valor que la calle tiene en la composición de la ciudad[20]. Molina se resiste a que sus edificios constituyan tan solo espacios de transición, de paso. Y este recurso y sobrevaloración de las rutinas sociales atribuibles a la tradición de la calle, está presente en todo el conjunto y un buen número de obras realizadas por el autor. Como no podía ser de otro modo, vuele a generar esa dicotomía entro lo cerrado y lo abierto, lo público y lo privado, lo transitable  y lo prohibido: capas de recorridos sinuosos; adarves (Figura 14).
Llegados a este punto, podemos subrayar que toda la obra, como venimos apuntando, aparece orquestada desde un principio universal: el acto de caminar. Sin embargo, éste ya no culmina dentro del escenario de una síntesis moderna -reforzada desde el seguimiento lejano enmarcado en el fervor crítico de un primer Le Corbusier-[21], sino que es el resultado de una conquista fenomenológica milenaria[22]. Al final puede concluirse, que todo lo expuesto tiene que ver con la exaltación del recorrido -por extensión de lo social y del habitar-, con el paseo, con elogiar la actividad placentera -festiva- del caminar como venimos apuntando: “Caminar es una apertura al mundo. Restituye en el hombre el feliz sentimiento de su existencia”[23]. El Centro de Artesanía de Lorca se erige como un edificio que desde su asertividad contextual, sus recorridos, tiempo y tempo, sus materiales y cualidades hápticas, y cubierta/plaza/calle, termina ofreciendo un lugar a la ciudad donde aquietar el tiempo, donde acoger el caminar. En la esperanza de construir una ciudad menos agitada y convulsa, de atrapar lo furtivo y transitorio[24]. De ser, al final, otro lugar más de la ciudad donde convivir y disfrutar.[25] 

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[1] “La arquitectura no es un arte puramente expresivo, sino un arte creador de ámbitos vivenciales, de lugares de vida”. Véase: FERNÁDEZ COX, C. El orden complejo de la arquitectura. Teoría básica del proceso proyectual. Santiago de Chile: Ediciones Universidad Mayor. 2005. Pág. 45.
[2] Un condicionante que lejos de contribuir a su inserción en el paisaje, termina distorsionando la imagen del conjunto en el entorno. Seguramente el proyecto habría tenido una implantación más amable habiendo prescindido de esta prótesis. Fue uno de los requisitos del encargo más incomodos del proyecto según el arquitecto. Recogido de la entrevista  mantenida el 5 de julio de 2012.
[3]  RUBY, A & I.: El reencuentro con el suelo en la arquitectura contemporánea. Barcelona: Gustavo Gili. 2006.
[4]La doble y consecutiva crisis del objeto clásico simétrico y del objeto moderno aislado tiene que ver con otro factor esencial: la paulatina importancia del contexto –sea social, urbano, topográfico o paisajístico- que pone continuamente a prueba la eficacia del objeto, lo que comporta, inevitablemente, la exigencia de una mayor adecuación de los sistemas de objetos a las características del entorno. Por ello, hablamos de los sistemas arquitectónicos contemporáneos y éstos sólo pueden entenderse en relación a su contexto” MONTANER, J.M. Sistemas arquitectónicos contemporáneos. Barcelona: Gustavo Gili. 2008.
[5] “La primera condición para el ejercicio de un diseño culto es comprender que intervenir sobre el hábitat no es crear un objeto sino un entorno. No se trata de una “cosa” sino del contexto en que se produce el conjunto de comportamientos humanos que denominamos “vivir”. Por lo tanto, poner en práctica esa convicción implica abandonar nada menos que el núcleo ideológico del gremio: el culto a la “obra”, ese narcisismo de los objetos que no es sino el eco del narcisismo de sus autores” CHAVES, N. El diseño invisible. Siete lecciones sobre la intervención culta en el hábitat humano. Buenos Aires: Paidós. 2005. Pág. 53
[6] Esta actitud en contra de la mímesis o la “tautología” ya aparece muy pronto dentro de su trabajo y poso teórico: “Dado que es improcedente a nuestro criterio, “mimetizar” estilos con el fin de integrar una edificación en un contexto histórico, hemos estudiado las motivaciones modernistas y sus elementos semánticos con el fin de, respetándolos, tener una mayor libertad en la proyectación arquitectónica”. Extracto de la memoria del proyecto de las Viviendas del Romea (Fase I). Archivo Histórico Provincial de Murcia y Archivo personal del autor.
[7] Se encuentra claramente influida de todas las lecturas de la arquitectura española de los años cincuenta  –incluidas las incursiones italianas de esos años-, que nacen y se mueven entre la Escuela de Madrid y el Grupo R en Barcelona hasta llegar a las aportaciones posteriores teóricas de Rafael Moneo. Una nueva sensibilidad frente al lugar que facilita una  relectura de la modernidad en términos atemperados, menos circunscritos a la radicalidad moderna. Puede Verse: CABRERO, G. R. El moderno en España. Arquitectura 1948-2000. Sevilla: Tanais. 2001.
[8]  “Son obras que se mimetizan o funden con el paisaje, pero que en ocasiones aspiran también a convertirse ellas mismas en paisajes construidos donde el movimiento de bienes y personas cristaliza en nuevos espacios públicos” FERNÁNDEZ GALIANO, L. Paisajes construidos.166.9/2014.Obras.topográficas.ArquitecturaViva.(http://www.arquitecturaviva.com/media/public/img/sumarios/aviva/aviva_166_sumario.pdf)
[9] “Habitar no quiere decir sólo tener un cobijo, sino también una sensación de pertenencia y significación. De hecho, experimentar la existencia como algo significativo puede considerarse la necesidad humana fundamental; y la existencia significativa presupone un lugar significativo que sea compartido en común” NORBERG-SCHULZ, C. Los principios de la arquitectura moderna. Sobre la nueva tradición del siglo XX. Barcelona: Reverte. 2005. Pág. 229.
[10] El antropólogo Michel de Certeau valora el espacio primordialmente desde la condición vivencial y fenoménica que proporciona el hombre y su paso: la práctica del espacio. Citado en: AUGÉ, M. Los no lugares. Espacios del anonimato. Una antropología de la sobremodernidad. Barcelona: Gedisa. 2004. Págs. 81-118.
[11] ¿Podría entenderse la cubierta como aquella ilusión de la quinta facha de Le Corbusier? Puede ser que el enlace histórico comience en aquella referencia fundamental, pero como pasará con muchos arquitectos anteriores y contemporáneos a Molina, ésta ya no se entiende como la prolongación de un paseo originado en su interior y que culmina en la cubierta -realidad trasladable a obras hegemónicas como la Stein y la Savoye-, sino más bien como una promenade intermitente y sentida que se bifurca en dos sendas principales. La que desciende desde la gruta y finaliza en su centro excavado, y la que se desarrolla como en un rito ascensional que se expande hacia el cielo y las preexistencias más próximas. Podríamos afirmar sin temor que existe o se da una bipolaridad: la que se fusiona y funde con el terreno desde ese primer “cuerpo” de recorridos, y la que se da desde una situación de afirmación en la cubierta jardín que, sin embargo, no eclosiona en la ciudad desde la ruptura sino desde la complementación activa. Por lo tanto, una lectura se vincula y une al territorio desde la excavación en la ciudad, y la otra -cubierta/plaza/calle- se afirma en ella.
[12] “El jardín es el único lugar en el que el hombre encuentra la naturaleza y en el que se permite el sueño […] el jardín es un lugar donde el hombre puede hacer lo que quiere, es un recinto con una protección y dentro del cual el jardinero se encarga de proteger la vida”. CLÉMENT, G. Paisaje como territorio mental. Jardines insurgentes. Barcelona: Fundación Caja de Arquitectos. 2002. Pág. 39.

[13] Cualidad que lo vuelve a unir por proximidad a Francisco Javier Sáenz de Oiza a la hora de componer sus espacios desde aquellas subidas que vienen precedidas de una bajada o pequeña depresión inicial, como sucede en dos de sus obras más conocidas: Torres Blancas y el edificio BBVA.
[14] Los conceptos constructivos se muestran próximos a las ideas originarias expuestas por Reyner  Banham aunque tienen que verse aquí como versiones recicladas o híbridas. En algunos proyectos de Juan Antonio Molina, se aprecian soluciones vinculadas a lo que se ha denominado como Neobrutalismo. Es pertinente también señalar, que en España ya han habido figuras – caso de F. Higueras o A. Miró, y otros tantos- que han transitado los caminos sugeridos, como también maestros, ya reconocidos por su magisterio en Molina, como son Oiza, y el que sería profesor en la carrera del arquitecto murciano: Javier Carvajal. Sobre la permanencia contemporánea de las secuelas de esta herencia Purini señala lo siguiente: “Se è vero che il Neobrutalismo si riprometteva di esprimere il ruolo sociale dell’architettura tramite la sincerità del costruire, mà sincerità rappresentata dalla corrispondenza il più possibile esatta tra i materiali e l’impianto tettonico, tra il volumen complessivo del manufatto e i suoi spazi, tra l’edificio e il contesto, allora è anche vero che questa intenzione si riscontra ancora oggi in alcuni orientamenti della ricerca”. PURINI, F. Derivazioni inquiete. Architettura Estrema. Il Neobrutalismo alla prova della contemporaneità. A cura di Anana Rita Emili. Roma: Quodlibet Studio. 2011. Pág. 35. Véase también: BANHAM, R. El brutalismo en arquitectura. Barcelona: G. Gili. 1967.
[15]Véase: http://lasformasdelhabitar.blogspot.com.ar/2017/08/
[16] BACHELARD, Gaston (1965). La poética del espacio. México: Fondo de Cultura Económica. Pág.30.
[17]  El pavimento es único de losas rectangulares de piedra desbastada (caliza gris de la zona del Cabezo de Torres). Destacar también: Estructura de hormigón en muros, forjados y vigas (placa nervada). Cimentación en losa de hormigón. Acabados en el mismo material con encofrado de madera machihembrada. Las instalaciones aparecen embebidas o "inmersas" en la estructura de hormigón, reforzando la continuidad material del conjunto. Iluminación artificial a base de carriles electrificados.
[18] “En mi opinión, sin embargo, la arquitectura es intrínsecamente lenta y tranquila, una forma de arte de baja energía en sus emociones si la comparamos con las artes efectistas que buscan un impacto emocional súbito. Su función no consiste en crear figuras o sentimientos fuertes que ocupen el primer plano, sino establecer cuadros de percepción y horizontes de comprensión. La tarea de la arquitectura no reside en hacernos reír o llorar, sino en sensibilizarnos a fin de que podamos ingresar en cualquier estado emocional. Necesitamos que la arquitectura nos proporcione un sustento y una pantalla de proyección para nuestros recuerdos y emociones. Creo en una arquitectura que ralentice y enfoque las experiencias humanas en lugar de acelerarlas o difuminarlas. En mi opinión, la arquitectura debe salvaguardar los recuerdos y proteger la autenticidad y la independencia de la experiencia humana. La arquitectura es en esencia una forma artística de emancipación, y nos debe permitir comprender y recordar quiénes somos”. PALLASMAA, J. Una arquitectura de la humildad. Madrid: Fundación Caja de Arquitectos. 2010. Pág. 165.
[19] “Una de las razones por las que las casas y las ciudades contemporáneas son tan alienantes es porque no contienen secretos; su estructura y su contenido se percibe de un solo vistazo. Comparemos los secretos laberínticos de una antigua ciudad medieval o de una casa vieja, que estimulan la imaginación y la llenan de expectación y estímulos, con la vacuidad transparente del paisaje y de los bloques de apartamentos contemporáneos” PALLASMAA, J. Habitar. Barcelona: G. Gili. 2016. Pág. 31.
[20]  Paul Virilio apunta: “In realtà oggi viviamo la morte della strada, del contatto con il suolo, con il marciapiede, a beneficio di una percezione superficiale e lontana: quella di un elicottero che sorvola la città o di un’auto che passa veloce su un’autostrada. Percepiamo solo a distanza, dall’alto o da lontano”. Recogido en: LA CECLA, F. Contro l’architettura. Torino: Bollati Boringhieri. 2008. Pág. 56.
[21] “La buena arquitectura ‘se “camina’ y ‘se recorre’ tanto adentro como afuera. Es la arquitectura viva. La mala arquitectura está coagulada alrededor de un punto fijo, irreal, ficticio, extraño a la ley humana” LE CORBUSIER. Hacia una arquitectura. Barcelona: Apóstrofe. 1998.
[22] SOLNIT, R. Wanderlust. Una historia del caminar. Madrid: Capitán Swing libros. 2015.
[23] Y sigue: “La relación del hombre que camina con su ciudad, con sus calles, con sus barrios, ya le sean estos conocidos o los descubra al hilo de sus pasos, es primeramente una relación afectiva y una experiencia corporal. Un fondo sonoro y visual acompaña su deambular […] La ciudad no está fuera del hombre, sino en él, impregnando su mirada, su oído y todos los demás sentidos” Le Breton, D. Elogio del caminar. Madrid: Siruela. 2015. Págs. 15 y 174-175. El carácter esencial de la arquitectura de Juan Antonio Molina podría considerarse, en últimas, autobiográfico. Como si de alguna manera, el ímpetu y la nostalgia del caminar que el autor despliega en su quehacer diario –“la ciudad no está fuera del hombre, sino en él”-, hubiera sido trasladado a su manera de proyectar y entender el espacio arquitectónico. 
[24] Sobre esto último el arquitecto y pensador finés señala: “Las ciudades y los edificios antiguos son acogedores y estimulantes, puesto que nos ubican en el continuum del tiempo; se trata de amables museos del tiempo que registran, almacenan y muestran las huellas de un momento diferente a nuestro sentido del tiempo contemporáneo nervioso, apresurado y plano; proyectan un tiempo “lento”, “grueso” y “táctil”. Op. Cit. Habitar… Pág. 9.  
[25] Lamentablemente la desidia institucional y el abandono condenaron, hace años, a que aquél espíritu noble del proyecto se viera frustrado por no entenderse y respetarse los significados y bondades del ejercicio propuesto. Hoy día la posibilidad de la plaza cubierta ha desaparecido y el centro en su interior se salva como Museo a pesar de la acumulación repetida de objetos. Quizá estemos todavía muy alejados para entender que la arquitectura contemporánea -último tercio del siglo XX- también merece salvarse como patrimonio valioso e insustituible de nuestra cultura y sociedad.